Oficinas de Teatro infantil na Comuna: Yeshe Cultural encerra ciclo de 3 anos, mas deixa legado

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Atividades, no entanto, vão seguir com nova coordenação pelo Ponto de Cultura e Saúde Ventre Livre Aos finais de tarde das segundas-feiras aqui na Comuna do Arvoredo, um furacão infantil toma conta do salão Zé da Terreira. Espaço multiuso da casa, ele tem teatrado bastante nos últimos tempos, com ensaios diversos e, especialmente, há três anos, abrigando as oficinas de teatro para crianças da Yeshe Cultural. Nesse período foram estreados três espetáculos, sendo um deles ED MORT, premiado como melhor direção e melhor espetáculo no 3º Festive – Festival Estadual de Teatro Infantil de Viamão. Este ano, a Yeshe Cultural mudou de cidade, encerrando a coordenação das oficinas, que ficarão a cargo do Ponto de Cultura e Saúde Ventre Livre. Como celebração a este tempo que a iniciativa agitou lindamente a Comuna, trazemos uma entrevista com Andressa da Silva Corrêa, idealizadora do projeto. Confere: Coletivo Catarse – Como construíste a ideia de realizar as oficinas de teatro? E por que com crianças? Andressa – Me formei em Teatro em 2007. Quando vim morar na Comuna do Arvoredo, esse espaço, esse centro cultural, surge a ideia de ministrar oficina de teatro como continuidade do trabalho que eu já fazia nas escolas. As crianças são um público que chega mais rápido pra fazer oficina. Os pais têm essa necessidade e as crianças, também. Então, eu dava aula pra adolescente, pra criança. Mas, na Comuna, escolhi fechar esse grupo de crianças porque eu acho que a procura é maior. CC – Tu consegues notar um desenvolvimento naqueles que se mantêm mais seguidos nas oficinas? Andressa – A oficina acontece desde 2022. Começamos com quatro alunos no primeiro ano. No segundo ano, eram oito. Acho que a gente fechou com mais no final, talvez uns dez, não recordo bem. E, em 2024, a oficina estava lotada, com 13 participantes. Tivemos que dividir a turma de pequenos e maiores. Mas vejo que tem um crescimento e muito potencial pra crescer. Já entre as crianças, a gente vê o crescimento na hora do espetáculo. Alunos que estão ali há mais de dois anos já têm plenas noções de espaço, de ritmo, de palco, de não ficar de costas para o público, de não falar ao mesmo tempo. O segundo passo foi o de montar personagens, trazer vozes diferentes, corpos diferentes pra cada um dos personagens. Hoje já temos alunos que rapidamente alcançam essa construção cênica. Mas, também, não é só essa questão do tempo. As crianças, elas estão no grupo por objetivos completamente diferentes. Algumas querem fazer e aprender teatro, ensaiar. Outras querem se integrar naquele grupo, brincar. E o teatro é só um dos elementos que compõem a aula. Então isso também faz a diferença. Se ela ama teatro porque ela quer ser atriz ou se ela gosta de teatro porque é uma aula divertida. Às vezes a gente perde alunos que estão super engajados no momento de brincadeiras e quando a gente vai para o ensaio, a aula fica um pouco mais fechada, com menos brincadeira, e os alunos se desinteressam. Por fim, eu acho que as crianças sentem necessidade de brincar muito hoje, de pega-pega, porque elas não têm mais a rua pra ficar brincando. Por isso, valorizo muito a brincadeira nas aulas. Tenho a brincadeira e essa vontade de formar o grupo, então, os alunos se reconhecerem aqui. Formaram amizades e vínculos. CC – E como é estar num espaço como a Comuna para realizar essas atividade? Tem estrutura, apoio, possibilidades? Andressa – A oficina não existiria se não fosse o apoio do coletivo. Se eu tivesse que pagar um espaço no centro de Porto Alegre, ela não teria começado. Além disso, a conexão entre os coletivos potencializa muito o trabalho, como na parceria do Yeshe Cultural com o Coletivo Catarse / Ponto de Cultura e Saúde Ventre Livre. Acredito que essa coisa da gente ter um grupo que valoriza o trabalho, que vai lá olhar, que vê essas crianças crescerem, que gosta de ter esse contato durante a semana, é muito motivador. Sobre o salão Zé da Terreira No último aniversário da Comuna do Arvoredo, celebrado em 16 de novembro de 2024 , o espaço multiuso do coletivo foi batizado como Salão Zé da Terreira, em homenagem a esse grande artista, que nos deixou em 2023.

Vasalisa, a sabida tem estreia confirmada em setembro

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“Vasalisa, a Sabida” é um espetáculo híbrido, em processo final de gestação, que percorre a jornada de iniciação feminina em seus saberes, onde, por meio de seus sentidos, as mulheres aprendem a nutrir suas ideias, destacando a importância do resgate da intuição e da presença das mulheres no mundo, tão subjugadas pelo patriarcado. Como guardiãs do fogo criativo, estão profundamente conectadas aos ciclos de vida, morte e renascimento que permeiam a natureza, definindo assim o significado de ser uma mulher iniciada. A obra se baseia na fábula do folclore russo, “Vasalisa, a Bela” – recopilação do folclorista russo Aleksandre Afanasev (1826/1871), na versão de Clarissa Pinkola Estés, apresentada no livro Mulheres que correm com os lobos (2018). O conto foi reinterpretado, neste trabalho, por meio de uma pesquisa autoral que busca resgatar e valorizar as subjetividades e o modus operandi da atuação feminina na sociedade, promovendo a reflexão acerca da invisibilização e do silenciamento das mulheres pelo sistema patriarcal ao longo dos tempos, desde a sua institucionalização. A encenação está sendo concebida a partir da linguagem do áudio drama, ou seja, de uma história dramatizada em áudio, que transporta o espectador para distintos cenários a partir de uma composição de sonoridades entrelaçadas à narrativa da contação de histórias. “Vasalisa, a Sabida” mistura em seu caldeirão artístico multilinguagem elementos do audiovisual, da contação de histórias, do teatro de animação e da dança. O audiovisual aqui é empregado como a combinação de sonoridades com imagens em luz e sombra produzidas ao vivo, bem como, a manipulação de bonecos e de formas animadas. A contação de histórias, presente no áudio drama, faz parte da tradição de vários povos nos quais, através da oralidade, suas narrativas eram transmitidas de geração em geração, perpetuando culturas e saberes. Além disso, contos e fábulas contribuem para o aprofundamento das reflexões em torno de habilidades como o autoconhecimento. Sendo assim, a performance atua na dimensão onírica e lúdica em aliança com a expressividade dos corpos dançantes em ação cênica. Seu caráter híbrido concentra o foco de ação na elaboração de uma poética artística, que possibilite ao espectador, de diferentes faixas etárias, com ênfase em mulheres, a apreensão do conteúdo através de uma profusão de signos advindos das diferentes linguagens que conectam aspectos sensoriais auditivos, visuais, poéticos e narrativos. Com uma equipe interdisciplinar de profissionais empenhados na concretização do trabalho, “Vasalisa, a Sabida” se propõe a ser uma experiência transformadora, que ressoa com a essência de cada espectador e reafirma a força das vozes femininas na sociedade contemporânea. É um trabalho constituído de forma independente numa co-produção Coletivo Catarse / Ponto de Cultura e Saúde Ventre Livre e Projeta Matricêntrica e tem sua estreia marcada para setembro. Mais informações em breve! Ficha técnica Aline Ferraz – Roteiro em áudio, direção, dramaturgia, cenários e elementos cênicos, figurinos e atuaçãoTêmis Nicolaidis – Roteiro em áudio, direção, dramaturgia, cenários e elementos cênicos, figurinos e atuaçãoLorena Sánchez – Direção de Produção e direção cênicaRaul Voges – Direção de movimento coreográficoMarcelo Cougo – Trilha sonora originalMarcelo Eguez – Trilha sonora originalAnahi Fros – Assessoria de comunicaçãoBilly Valdez – Fotografia e registro audiovisualGustavo Türck – Produção sonoraEthiéne Guerra – Assistência e confecção de figurinos. Realização – Coletivo Catarse/ Ponto de Cultura Ventre Livre e Projeta Matricêntrica.Apoio – Clube da Sombra e Comuna do Arvoredo

Enquanto a Luz Não Chega: primeiras gravações movimentam equipe e locais da cidade

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Texto: Lorena Sanchez / Revisão: Anahi Fros / Fotos e vídeo: Maria Luiza Apollo O curta-metragem Enquanto a Luz Não Chega, do Coletivo Catarse, concluiu com êxito seu primeiro período de gravações. Durante uma semana intensa de imersão, a equipe ocupou diferentes espaços da capital gaúcha para dar vida aos personagens Téo e Ciça. A preparação foi minuciosa: visitas técnicas, ensaios de mesa e estudos de luz antecederam as filmagens. O centro das gravações ocorreu em um apartamento no alto do bairro Teresópolis, em Porto Alegre — local que, além de oferecer uma vista inspiradora da cidade, também é um dos cenários principais da narrativa. É lá que se desenrola a história do casal: o amor, o silêncio, o estranhamento e a espera. A luz — ou a ausência dela — assume papel central no projeto, criando atmosferas e tensões dramáticas que não devem ser ajustadas mediante edição na pós-produção, mas construídas ao máximo ao vivo. Um exemplo disso é a marcante Cena 19, ponto de virada da trama, em que o apagão e a escuridão envolvem os protagonistas em uma coreografia precisa de luz, sombra e interpretação. Este é um trabalho que não se desenvolve ao acaso, mas se materializa de uma intenção crescente após anos de trabalho e parceria com a Cia Lumbra — casa há mais de 20 anos de Alexandre Fávero, que assina a Direção de Arte do filme, trazendo toda sua experiência no teatro de sombras para um mix de linguagens pretendido por esta obra audiovisual. Além das filmagens no apartamento, a equipe realizou, no mesmo período, cenas em outras locações que exigiram grande produção. Graças ao planejamento cuidadoso e às parcerias estabelecidas com os locais visitados, as gravações transcorreram de maneira ágil e eficiente. E, somando-se aos protagonistas, um expressivo grupo de figurantes colaborou com entusiasmo e disposição para o processo criativo. Foram muitos momentos em que pessoas e os espaços que acolheram o projeto demonstraram grande receptividade e envolvimento, garantindo condições ideais de trabalho para toda a equipe. A SABER Enquanto a Luz Não Chega é um curta-metragem de ficção produzido pelo Coletivo Catarse (Contemplado na LPG Porto Alegre na linha de Produção de Curtas-metragens), que propõe uma reflexão sobre os impactos da tecnologia nas relações humanas.

Enquanto a luz não chega – pré-produção das filmagens

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Uma ficção é feita de muitas camadas, e isso começa na preparação das filmagens. São detalhes das mais variadas fontes, produção, arte, fotografia, roteiro, direção. Uma máquina bem azeitada garante que todo esse esforço no set de fimagem – que é intenso – não sobrecarregue o sistema e possa resultar num filme do qual se possa sentir orgulho. Este é o foco da equipe do curta-metragem Enquanto a Luz não Chega que iniciou a pré-produção das filmagens na locação do apartamento do casal de protagonistas, onde ocorre as cenas mais importantes do filme. Foram 3 dias de marcações, ajustes, testes e ensaios. Um agradecimento especial ao Marcelo Branco que possibilitou o acesso a este apartamento muito especial no Bairro Teresópolis, que nos acolhe e viabiliza o contar desta história. “Enquanto a Luz Não Chega” é um curta-metragem de ficção produzido pelo Coletivo Catarse, que propõe uma reflexão sobre os impactos da tecnologia nas relações humanas. A história acompanha Eleutério e Conceição, um casal isolado em seu apartamento durante um apagão causado por enchentes na cidade. Sem acesso à eletricidade, são forçados a lidar com sua própria desconexão emocional, enquanto a chegada do vizinho Teodoro transforma sua dinâmica. Inspirado livremente no romance Enquanto a Noite Não Chega, de Josué Guimarães, o filme aborda a alienação gerada pelo uso excessivo da tecnologia e a redescoberta do contato humano em momentos de crise. Financiada com recursos da Lei Paulo Gustavo (Linha 3: Produção de curta-metragem por empresas produtoras).

Enquanto a luz não chega – produção da trilha sonora

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Marcelo Cougo, Direção de Trilha Sonora: A trilha sonora foi conbedida em formato de canção, influenciada diretamente da leitura de “Enquanto a noite não chega”, livro de Josué Guimarães que dá inspiração ao nosso roteiro. A ideia é produzir um tema que misture modernidade com um toque de regionalismo, com levada de rock urbano. Além da canção, também estamos trabalhando um tema instrumental com uma sonoridade nostálgica e mais limpa, orgânica. Acho que esse tema contempla a passagem do tempo e as transformações nas relações humanas. A paixão que se torna lembrança, uma memória por vezes dolorida mas sempre viva em nossas histórias. A canção será interpretada por William “Crespamente” de Abreu e Jéssica Nucci, com arranjos de Ângelo Primon e Marcelo Cougo. William também fará as baterias dos dois temas. “Enquanto a Luz Não Chega” é um curta-metragem de ficção produzido pelo Coletivo Catarse, que propõe uma reflexão sobre os impactos da tecnologia nas relações humanas. A história acompanha Eleutério e Conceição, um casal isolado em seu apartamento durante um apagão causado por enchentes na cidade. Sem acesso à eletricidade, são forçados a lidar com sua própria desconexão emocional, enquanto a chegada do vizinho Teodoro transforma sua dinâmica. Inspirado livremente no romance Enquanto a Noite Não Chega, de Josué Guimarães, o filme aborda a alienação gerada pelo uso excessivo da tecnologia e a redescoberta do contato humano em momentos de crise. Financiada com recursos da Lei Paulo Gustavo (Linha 3: Produção de curta-metragem por empresas produtoras)

Enquanto a luz não chega – testes e início das filmagens

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Os dias 11, 13 e 14 de março foram dedicados a muitos testes de fotografia e início das fimagens do curta-metragem “Enquanto a Luz não Chega”, produção do Coletivo Catarse/Ponto de Cultura e Saúde Ventre Livre, através do edital da Lei Paulo Gustavo para o município de Porto Alegre. Foram dias de trabalho intensos que incluiram, também, visita às possíveis locações pela equipe de produção e direção. Os testes no salão da Comuna do Arvoredo foram fundamentais para embasar o trabalho artístico e fotográfico no set de filmagem. Ali se determinou tanto a estrutura de equipamento quanto os conceitos estéticos a serem utilizados para o desenrolar da trama. Já no final das tardes de quinta e sexta, a equipe inaugurou a sequência de filmagens, registrando a chuva sobre a cidade, o pôr-do-sol e o nascer da lua cheia. O filme pode falar sobre desconexões pelo uso exessivo da tecnologia, mas trata, também, sobre a ligação com a natureza e como ela pode aproximar as pessoas enquanto seres humanos vivos. Criar arte pode parecer um ato mágico de talento e inspiração, mas, na prática, é um processo de negociação constante. No Coletivo Catarse, iniciamos os testes de luz e as experiências de linguagem para Enquanto a Luz Não Chega. Checar equipamentos, testar o equilíbrio entre as fontes de luz, simular trucagens teatrais. Ação! Corta! De novo! Gravamos os testes com projeções de sombras que modulam os espaços e rodamos as primeiras cenas da força da natureza chorando sobre a tristonha cidade de Porto Alegre. Cinema são pactos de confiança. Ontem, assinamos alguns termos desse contrato de paixão e camaradagem. Pra ti ver! Alexandre FáveroDireção de Arte – Clube da Sombra / Cia Teatro Lumbra “Enquanto a Luz Não Chega” é um curta-metragem de ficção produzido pelo Coletivo Catarse, que propõe uma reflexão sobre os impactos da tecnologia nas relações humanas. A história acompanha Eleutério e Conceição, um casal isolado em seu apartamento durante um apagão causado por enchentes na cidade. Sem acesso à eletricidade, são forçados a lidar com sua própria desconexão emocional, enquanto a chegada do vizinho Teodoro transforma sua dinâmica. Inspirado livremente no romance Enquanto a Noite Não Chega, de Josué Guimarães, o filme aborda a alienação gerada pelo uso excessivo da tecnologia e a redescoberta do contato humano em momentos de crise. Financiada com recursos da Lei Paulo Gustavo (Linha 3: Produção de curta-metragem por empresas produtoras)

O caminho de Vasalisa

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“Vasalisa, a Sabida” convida o público a embarcar em uma jornada sensorial e reflexiva, inspirada no conto russo homônimo, conforme reinterpretado por Clarissa Pinkola Estés, em seu livro “Mulheres que Correm com os Lobos” (2018). Com duração de 50 minutos, o espetáculo combina áudio drama, contação de histórias, teatro de animação, bem como a dança em ação cênica, criando uma experiência de múltiplas linguagens que fomenta a conscientização acerca da psique feminina em suas diversas nuances, bem como, possíveis outras visões do ponto de vista do olhar das mulheres sobre as relações em sociedade. Um espetáculo híbrido, em processo final de gestação, que percorre a jornada de iniciação feminina em seus saberes, onde, por meio de seus sentidos, as mulheres aprendem a nutrir suas ideias, destacando a importância do resgate da intuição e da presença das mulheres no mundo, tão subjugadas pelo patriarcado. Como guardiãs do fogo criativo, estão profundamente conectadas aos ciclos de vida, morte e renascimento que permeiam a natureza, definindo assim o significado de ser uma mulher iniciada. A obra se baseia na fábula do folclore russo, “Vasalisa, a Bela” – recopilação do folclorista russo Aleksandre Afanasev (1826/1871), na versão de Clarissa Pinkola Estés, apresentada no livro Mulheres que correm com os lobos (2018). O conto foi reinterpretado, neste trabalho, por meio de uma pesquisa autoral que busca resgatar e valorizar as subjetividades e o modus operandi da atuação feminina na sociedade, promovendo a reflexão acerca da invisibilização e do silenciamento das mulheres pelo sistema patriarcal ao longo dos tempos, desde a sua institucionalização. A encenação está sendo concebida a partir da linguagem do áudio drama, ou seja, de uma história dramatizada em áudio, que transporta o espectador para distintos cenários a partir de uma composição de sonoridades entrelaçadas à narrativa da contação de histórias. Desse modo, a questão da acessibilidade e inclusão, já são trazidas em seu conceito, através da audiodescrição para pessoas com deficiência visual. A pesquisa opera na perspectiva de uma cena expandida, definida por Gabriela Monteiro, em seu artigo A Cena Expandida: alguns pressupostos para o teatro do século XXI, como, “aquela que se articula diretamente a áreas artísticas distintas, em uma espécie de convergência que tangencia conhecimentos oriundos das artes cênicas, visuais, das mídias audiovisuais, da performance, da dança, da literatura e da fotografia”. Fazendo parte do escopo das teatralidades contemporâneas. Aline FerrazRoteiro em áudio, direção, dramaturgia, cenários e elementos cênicos, figurinos e atuação. Têmis NicolaidisRoteiro em áudio, direção, dramaturgia, cenários e elementos cênicos, figurinos e atuação Lorena SánchezDireção de Produção e assistência de direção cênica Raul VogesDireção de movimento coreográfico Marcelo Cougo e Marcelo EguezTrilha sonora original Billy ValdezFotografia e registro audiovisual Gustavo TürckProdução sonora Ethiéne GuerraAssistência e confecção de figurinos. RealizaçãoColetivo Catarse/ Ponto de Cultura Ventre Livre e Projeta Matricêntrica. ApoioComuna do Arvoredo

Faces de Eva estreia no Festival Porto Verão Alegre

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Nos dias 04 e 05 de fevereiro de 2025, a instalação artística Faces de Eva teve sua estreia em duas sessões praticamente lotadas na Sala Álvaro Moreyra, dentro do Festival Porto Verão Alegre. A performance teatro-musical vinha sendo desenvolvida de forma independente pelo grupo TMA – Teatro Musical Autoral, ao longo do ano de 2024, numa co-produção com Coletivo Catarse / Ponto de Cultura Ventre Livre e apoio da Comuna do Arvoredo. A mulher e seu lugar de poder na sociedade patriarcal. Tão complexa quanto o tema, foi a própria montagem, um processo longo, cheio de intensidades e aprendizados que levaram o TMA a entregar uma performance riquíssima, com diversas camadas simbólicas, cenas esteticamente elaboradas, tudo confluindo para tratar da profundidade do tema. Para o público atento e sensível, é certeza de que a Eva reverbera para além do teatro, sendo lembrada no dia a dia, ao ver as notícias, a rede social, ao se enxergar diante das situações de vida. Para entender um pouco mais sobre o que foi montar e estrear Faces de Eva, conversamos com Raul Voges, um artista multihabilidoso que assinou nada mais do que o roteiro, direção, cenografia, figurino, produção e, ainda, atuação. Fala um pouco sobre a tua trajetória de artista e o que te motiva a continuar fazendo arte? “Eu iniciei como bailarino e ator que gostava, também, de cantar. Você não sabe de onde vem, mas algo em você te empurra para isso. Na arte, tive ótimas escolas e ótimos mestres. Sempre fui muito disciplinado e interessado em ter acesso a todo o conhecimento possível. A disciplina me trouxe a formação como professor, e minha didática se construiu através da observação atenta ao trabalho dos professores que tive, e também das minhas práticas em sala de aula e espaços onde dirigi e coreografei. A disciplina também me trouxe um profundo respeito pelas artes, e pela forma de desenvolve-las em meus alunos.Meus aprendizados iniciais, com Lenita Ruschel na dança, e com Sonia Pellegrino no teatro, foram dando espaço à construção da minha confiança e da minha paixão por estar em cena. Naquela época, anos 80, se falava, “O fulano fez escola”! Fazer escola, era cursar as diversas técnicas oferecidas, respondendo com dedicação e ousadia. Fazer escola era, atravessar a cidade num domingo, usando 2 transportes mais caminhada, para fazer uma aula com um profissional que estaria somente aquele dia em sua cidade.Dos 17 aos 30 anos, estive em palco muitas vezes, passei por algumas escolas, e me identifiquei agradavelmente como professor de dança em escolas de dança, e de preparação corporal para elencos. Dancei muito, e iniciei meu percurso no teatro com grupos independentes. Trabalhei em escolas de municípios do RS, e tive uma escola de dança na cidade de São Jerônimo. Na universidade, cursei metade do curso de Educação Física, e me formei em Arquitetura. Então decidi morar em São Paulo, motivado pela arte e pela arquitetura (recém formado).Trabalhei 3 anos como professor das Oficinas Culturais do Governo do estado de São Paulo, ministrando oficinas no interior no estado. Criei dois grupos teatrais, e fui diretor artístico de uma fundação. Fiz um pós em gestão cultural, fiz parte do conselho de patrimonio histórico, e desenvolvi um projeto arquitetônico de ampliação de um museu de arqueologia, em um prédio tombado. Foram 3 anos bem intensos de vivências e aprendizagem constantes.Voltei para POA quando meu pai adoeceu. Fui buscar os colegas de outrora e atualizar-me do que estavam fazendo. Fiz aulas com um e outro, dancei com outros em suas cias, mas foi novamente como professor de escola de dança, que pude prover minha vida. Antes de ir pra Sampa, havia descoberto o trabalho de uma companhia de Porto Alegre, que me encantou, a Cia Terpsi. Desejei trabalhar com sua coreografa e diretora, Carlota Albuquerque. Passados 3 anos de retorno à POA, soube que Carlota estava ministrando aulas para uma turma mista, e me apresentei à ela como aluno. Iniciou-se aí, uma relação de afeto artístico e de experiência dramatúrgica com meu corpo, minha voz, meu canto, que definiram meu caminho como intérprete criador. Havia encontrado um “deciframento” em meu ser artístico, que me transformou o ser total. Expandindo meus trabalhos em cena, passei a participar de elencos de musicais, e conheci minha parceira de Actemus (Academia de Teatro Musical), a Cintia Ferrer. Foram alguns anos de construção de uma linguagem única para o teatro musical na cidade. E aquele meu universo da infância, com meu avô escutando óperas, meu pai me comprando livros de romances e histórias, dramas e suspenses, somados aos filmes da Atlândida na TV, ressurgiu dentro de mim, trazendo ao meu trabalho um grande entusiasmo. Por estar em cena como elenco de musical, pude construir esse novo contexto pedagógico aos alunos que estavam ávidos como eu, outrora na juventude.Hoje, o TMA – Teatro Musical Autoral, o coletivo que criei e dirijo, é minha oferta ao mundo. É minha construção de vida, que pode ser sentida, questionada, entendida ou só apreciada. Gosto da crítica, da ironia, e gosto de mudar as fisionomias e gestos de quem assite, e também de mover os olhos, o corpo na cadeira, e provocar o assobio, o dedo que tamborila na perna e o texto que fica gravado, repetindo em uma mente afetada por meu trabalho”. O TMA (Teatro Musical Autoral) é um grupo que se constitui e se reconstitui a cada trabalho. Pode falar um pouco sobre isso e como este grupo do Faces de Eva foi montado? Meus trabalhos são sempre montados com elenco convidado, mas não tenho uma ordem para isso. Enquanto professor de arte, tenho a facilidade de acesso a diversos talentos, de artistas com os quais convivo em sala de aula, em studios. Nestes 40 anos de professor, o universo criador trouxe uma comunhão de idéias com alguns, e os convites surgem deste lugar. Encontrar em cada artista, as possibilidades, e lincar suas disponibilidades com um tema proposto. Buscar um teatro autoral, com pesquisa e estudo, é o princípio de …

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O teatro que se faz com muitas mãos

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Desde o início de 2024 está em movimento o processo de montagem do espetáculo Vasalisa, a Sabida, numa co-realização Coletivo Catarse / Ponto de Cultura Ventre Livre e Aline Ferraz – Projeta Matricêntrica. É uma iniciativa que vem sendo gestada e fomentada pelo Coletivo através de recursos próprios e, também apoiada em editais como o Ações Continuadas – Funarte que tem sua duração até março de 2025 (https://coletivocatarse.com.br/2024/12/21/acoes-continuadas-uma-realidade-em-andamento-que-vai-seguir-em-2025/) e terá novo ciclo renovado com o PNAB Cultura Viva que foi aprovado e aguarda a entrada do recurso. Este apoio é a utilização da estrutura física para ensaios, armazenamento de material cênico, desenvolvimento e gravação de trilha sonora original, masterização e utilização de equipamentos. Embora tenha, hoje, este, fundamental, suporte, a pesquisa originalmente foi concebida e desenvolvida, de modo independente, pelas artistas Aline Ferraz e Têmis Nicolaidis, contando com a participação colaborativa de diversos profissionais nas áreas do audiovisual, da música, da dança, do figurino, que estão contribuindo com seus conhecimentos especializados para a concretização do projeto de modo ainda mais potente (ficha técnica ao final desta matéria). Vasalisa, a Sabida está sendo concebida como uma performance marcada pelo hibridismo de linguagens, escolhidas uma a uma, a partir do audiodrama, fio condutor da ação cênica na perspectiva de suporte expandido apontando possibilidades estéticas para além da performance ao vivo. Em seu caldeirão artístico são misturadas pitadas de contação de histórias combinadas com elementos do teatro de animação agregados a punhados de dança e contracenação. E o tempero potencial dessa poção é a intuição. Ela, que é um importante aspecto da psiquê feminina e que foi desvalidada pelo patriarcado, assim como, a maneira de ser/estar no mundo protagonizada pelas mulheres. Além disso, a intuição, é o tema do conto russo Vasalisa, a Sabida retirado do livro Mulheres que correm com os lobos, da escritora e psicanalista Clarissa Pinkola Estés. Amplamente divulgado e desde seu lançamento, em 2018, referência para mulheres aprofundarem as reflexões em torno da natureza instintiva da mulher a partir de 19 mitos, lendas e contos de fada pesquisados e minuciosamente analisados pela autora analista junguiana. Os contos de fadas são recursos importantes para facilitar o autoconhecimento, visto que, representam em suas narrativas fenômenos universais, com base no inconsciente coletivo. Eles também ativam o imaginário, favorecem a criatividade, a comunicação oral e promovem uma interação lúdica. Em 2025 o desenvolvimento deste trabalho vem com força total e pretende oferecer ensaios abertos e sua estreia ainda no primeiro semestre. Ficha Técnica: Texto: Clarissa Pinkóla EstésRoteiro, direção, dramaturgia, cenário, figurinos e atuação: Aline Ferraz (@lineaferraz_atriz) e Têmis Nicolaidis (@temis.nicolaidis)Assistência de direção: Lorena Sanchez (@lorenasanchez_apa)Assistência de figurino: Ethiéne Guerra (@ethi.g)Direção de movimento coreográfico: Raul Voges (@raulvoges)Trilha sonora original: Marcelo Cougo (@marcelo_catarse) e Marcelo Eguez (@marcelo_eguez)Produção sonora: Gustavo TürckApoio: Comuna do Arvoredo (@comuna_do_arvoredo)

Estreia de Faces de Eva no Porto Verão Alegre

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Durante o ano de 2024 o coletivo TMA (Teatro Musical Autoral) ocupa o salão Zé da Terreira na Comuna do Arvoredo para desenvolver e ensaiar a instalação teatro-musical ‘Faces de Eva’. Esse trabalho tem sua criação livremente inspirada no musical “Evita”, e explora os caminhos por onde mulheres exerceram o poder, em suas épocas e com seus talentos e convicções. É uma intervenção artística que desafia os formatos cênicos tradicionais, redefinindo o lugar do público e o convidando a (se) olhar por diferentes ângulos e espaços. É uma obra artística contemporânea crítica que tem a música e a dança como condutora de um universo feminino em constante transformação. A instalação teve estreia de uma primeira versão em 2019, na Casa de Cultura Plauto Cruz. Este ano, a estreia desta nova versão será no Festival Porto Verão Alegre, nos dias 4 e 5 de fevereiro, às 20h na Sala Álvaro Moreyra (Centro Municipal de Cultura Lupicínio Rodrigues – Avenida Érico Veríssimo, 307). Ingressos limitados já a venda: https://ingressos.portoveraoalegre.com.br/event/13/faces-de-eva. Uma co-produção TMA e Coletivo Catarse/Ponto de Cultura Ventre Livre com apoio da Comuna do Arvoredo. AUTOR:Raul Voges e Maurício Fulber DIREÇÃO:Raul Voges ELENCO:Cristine Patane, Fabiola Ribeiro Barreto, Guilherme Fraga Bittencourt, Gabriela Schneider, Ighor Pozzer, Odila Maria de Athayde Bohrer, Raul Voges. FICHA TÉCNICA:Temis Nicolaidis(co-produção e assist.direção), Vigo Cigolini (tec.som e luz), Marisa Rotenberg (orientação vocal) DURAÇÃO: 70 minutos